Automatisch generierte Übersetzung
Original anzeigen
Übersetzung anzeigen
We kindly suggest that you read the entire , as with it we try to give you detailed technical and historical information to ensure the authenticity of our objects. Painting oil painting on canvas is made with mixed technique brush and spatula; the author used traditional brushes for a first draft giving shape to the whole drawing with an expert, loose wrist play and with sure and decisive brushstrokes; the representation, in this case, is not a pure exercise of virtuosity, in fact, the author communicates us his intimate essence manifesting it through the language of colors, shapes, and composition. The artist finished his work with the technique of spatula painting, named after the protagonist's instrument, redistributing the colors densely and consistently, making the painting take on a special body and depth. The painting is signed but we are unable to give definite information about the author, however, we confirm its extraordinary aesthetic and engaging vividness; the painting was made in 1989 in the author's studio in Paris whose intentions were to celebrate the 200th anniversary of the French Revolution (1789). The painter was inspired by both French Expressionism and Symbolism; Expressionism exalts the emotional value of art; it is the artist's desire to communicate inner feelings, while with Symbolism, painters tend to go beyond the objective representation of reality to focus instead on the subjective vision, in which inner feelings, emotions, and experiences are evoked above all. Our painting is overflowing with the symbolism of the French Revolution; it is practically an evocative essence of it. This important and overwhelming historical event is powerfully present in the soul of the artist who wanted to overbearingly communicate to us his deepest emotions by transposing them entirely in the painting with strong and vivid colors, he did not want to simply allude or hint but to express, indeed "shout" his own deep interiority. In his intentions, the painting schematically and symbolically represents a standard-bearer of the French Revolution wearing the classic "Phrygian" hat. The author used only the three colors white, red, and blue that characterized the flags of the French Revolution; they were the new banners, which opposed the traditional emblem of the monarchy, the lilies on a white field. Three were the colors because three were the goals of the Revolution: liberty, equality, and fraternity, and they represented the three classes into which French society of the time was divided: the clergy (blue), the nobility (white), and the third state (red). The "Phrygian" cap (Latin for pileus) painted in red in the painting also has a high symbolic value, In Roman times it was worn by the " freedmen" to show that they were now freed slaves but in the French Revolution it became the very symbol of Liberty; a similar cap was worn by the freed Marseilles convicts in 1792, and was the symbol of the Jacobins during the French Revolution. Due to this fact, in addition to its historical meaning of freedom, it was later adopted as a symbol of the revolution itself, a symbol immortalized on the "Marianne," the very emblem of France, in Eugène Delacroix's famous painting "Liberty Leading the People." Many of the anti-colonial revolutions in North and South America were inspired by the French Revolution. In current times the "Phrygian" appears, as a symbol of freedom, in the state flags of West Virginia and New Jersey, and as the official seal of the United States Army and the United States Senate. Our painting, in addition to its high artistic value, is a work that with its joyful freshness and high decorative effect lends itself to easily decorating any room in the home. The painting is in good condition, and the frame is a show model, you can simply replace it according to your interior design and enhance this particular painting even more. Measures width cm.50, height cm.60, depth cm.2.
Wir empfehlen Ihnen, den gesamten Text zu lesen, da wir damit versuchen, Ihnen detaillierte technische und historische Informationen zu geben, um die Authentizität unserer Objekte zu gewährleisten. Malerei Ölgemälde auf Leinwand ist mit gemischter Technik Pinsel und Spachtel gemacht; der Autor verwendet traditionelle Pinsel für einen ersten Entwurf geben Form der gesamten Zeichnung mit einem Experten, lose Handgelenk spielen und mit sicheren und entscheidenden Pinselstriche; die Darstellung, in diesem Fall ist nicht eine reine Übung der Virtuosität, in der Tat, der Autor kommuniziert uns seine intime Essenz manifestiert es durch die Sprache der Farben, Formen und Komposition. Der Künstler beendete sein Werk mit der Technik der Spachtelmalerei, die nach dem Instrument des Protagonisten benannt ist, indem er die Farben dicht und gleichmäßig verteilte, wodurch das Gemälde eine besondere Fülle und Tiefe erhielt. Das Gemälde ist signiert, aber wir können keine genauen Angaben über den Autor machen, aber wir bestätigen seine außergewöhnliche Ästhetik und einnehmende Lebendigkeit; das Gemälde entstand 1989 im Atelier des Autors in Paris, der damit den 200. Jahrestag der Französischen Revolution (1789) feiern wollte. Der Maler wurde sowohl vom französischen Expressionismus als auch vom Symbolismus inspiriert; der Expressionismus hebt den emotionalen Wert der Kunst hervor; es ist der Wunsch des Künstlers, innere Gefühle zu vermitteln, während der Symbolismus dazu neigt, über die objektive Darstellung der Realität hinauszugehen und sich stattdessen auf die subjektive Vision zu konzentrieren, in der vor allem innere Gefühle, Emotionen und Erfahrungen hervorgerufen werden. Unser Gemälde ist übervoll mit der Symbolik der Französischen Revolution; es ist praktisch eine beschwörende Essenz davon. Dieses wichtige und überwältigende historische Ereignis ist in der Seele des Künstlers stark präsent, der uns seine tiefsten Emotionen in überwältigender Weise mitteilen wollte, indem er sie mit starken und lebendigen Farben vollständig in das Gemälde übertrug, er wollte nicht nur andeuten oder andeuten, sondern seine eigene tiefe Innerlichkeit ausdrücken, ja "schreien". In seiner Absicht stellt das Gemälde schematisch und symbolisch einen Fahnenträger der Französischen Revolution dar, der den klassischen "phrygischen" Hut trägt. Der Autor verwendete nur die drei Farben Weiß, Rot und Blau, die die Fahnen der Französischen Revolution kennzeichneten; sie waren die neuen Banner, die dem traditionellen Emblem der Monarchie, den Lilien auf weißem Feld, entgegengesetzt wurden. Die drei Farben standen für die drei Ziele der Revolution: Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit, und sie repräsentierten die drei Klassen, in die die französische Gesellschaft zu jener Zeit unterteilt war: den Klerus (blau), den Adel (weiß) und den dritten Stand (rot). Die "phrygische" Kappe (lateinisch pileus), die auf dem Gemälde in Rot gemalt ist, hat ebenfalls einen hohen symbolischen Wert. In der römischen Zeit wurde sie von den "Freigelassenen" getragen, um zu zeigen, dass sie nun befreite Sklaven waren, aber in der Französischen Revolution wurde sie zum Symbol der Freiheit; eine ähnliche Kappe wurde 1792 von den befreiten Sträflingen in Marseille getragen und war das Symbol der Jakobiner während der Französischen Revolution. Aus diesem Grund wurde die Mütze neben ihrer historischen Bedeutung für die Freiheit später auch zum Symbol der Revolution selbst. Dieses Symbol wurde auf der "Marianne", dem Wahrzeichen Frankreichs, in dem berühmten Gemälde "Die Freiheit führt das Volk" von Eugène Delacroix verewigt Viele der antikolonialen Revolutionen in Nord- und Südamerika wurden von der Französischen Revolution inspiriert. In der heutigen Zeit erscheint der "Phrygier" als Symbol der Freiheit in den Staatsflaggen von West Virginia und New Jersey sowie als offizielles Siegel der US-Armee und des US-Senats. Unser Gemälde hat nicht nur einen hohen künstlerischen Wert, sondern ist auch ein Werk, das mit seiner fröhlichen Frische und hohen dekorativen Wirkung jeden Raum in der Wohnung leicht schmücken kann. Das Gemälde ist in gutem Zustand, und der Rahmen ist ein Ausstellungsmodell, Sie können ihn einfach entsprechend Ihrer Inneneinrichtung austauschen und dieses besondere Gemälde noch mehr aufwerten. Maße: Breite cm.50, Höhe cm.60, Tiefe cm.2.
Schreiben Sie uns
Ein Angebot machen
Uns ist aufgefallen, dass Sie neu bei Pamono sind!
Bitte akzeptieren Sie die Allgemeinen Geschäftsbedingungen und die Datenschutzerklärung
Schreiben Sie uns
Ein Angebot machen
Fast geschafft!
Um die Kommunikation einsehen und verfolgen zu können, schließen Sie bitte Ihre Registrierung ab. Um mit Ihrem Angebot auf der Plattform fortzufahren, schließen Sie bitte die Registrierung ab.Erfolgreich
Vielen Dank für Ihre Anfrage! Unser Team meldet sich in Kürze bei Ihnen zurück.
Wenn Sie Architekt*in oder Inneneinrichter*in sind, bewerben Sie sich hier um dem Trage Program beizutreten.